Manchmal frage ich mich, wie viele verschiedene Wege es eigentlich im Ballett gibt, und wie oft wir uns in alte Muster zurückziehen, sobald Unsicherheit aufkommt. Die letzten Jahre haben gezeigt, dass sich Ballett ständig wandelt—mal mit großem Mut, mal mit einem beinahe nostalgischen Festhalten an Traditionen, die zwar schön, aber nicht immer hilfreich sind. Und doch gibt es immer wieder Momente, in denen etwas Unerwartetes entsteht: eine Bewegung, die nicht im Handbuch steht, ein Ausdruck, der sich nicht mit Worten fassen lässt. Was wäre, wenn genau diese Momente nicht nur Ausnahmen wären, sondern zur Grundlage werden könnten? Plötzlich ist es nicht mehr nur die perfekte Linie, die zählt, sondern das, was zwischen den Linien passiert—das, was man nicht einfach aus einem Buch lernen kann. Wer sich auf unseren unkonventionellen Ansatz einlässt, erfährt, wie sich das Verständnis für den eigenen Körper und die Möglichkeiten im Raum radikal erweitern. Es ist, als würde man eine neue Sprache entdecken, in der Fehler nicht länger Schwächen sind, sondern Hinweise auf Potenzial. Ich erinnere mich an eine Tänzerin, die nach Jahren klassischer Ausbildung meinte, sie hätte erst jetzt—nach einigen Wochen mit unserer Methode—verstanden, wie sehr Ballett auch ein Spiel mit eigenen Grenzen ist. Was entsteht? Nicht nur mehr Bewegungsfreiheit, sondern auch diese besondere Kreativität, die man nicht aus Theorie ziehen kann. Sie ermöglicht es, auf der Bühne überraschende Geschichten zu erzählen, jenseits von festen Rollen oder vorgegebenen Emotionen. Und ganz ehrlich: Wer hätte gedacht, dass Mut zur Eigenheit plötzlich mehr Türen öffnet als makellose Technik?